Yuji Tamaki (Fukui, 1916 - São Paulo, 1979)
Yuji Tamaki foi um pintor, desenhista e professor nipo-brasileiro cuja trajetória se inscreve entre os nomes fundamentais da primeira geração de artistas japoneses radicados no Brasil. Sua obra, marcada pela disciplina construtiva e pelo lirismo contido, dialoga com o pós-impressionismo e com o legado de Paul Cézanne, buscando sempre a síntese entre a sensibilidade oriental e a estrutura formal ocidental. Participou de importantes movimentos artísticos, como o Núcleo Bernardelli, o Grupo Seibi, o Grupo 15 e o Grupo Guanabara, além de ter sido premiado em salões e exposições de destaque no cenário brasileiro.
Nascido em 1916, na província de Fukui, Japão, Yuji Tamaki cresceu em um ambiente tradicional, em meio às transformações políticas e culturais do período pré-guerra. Desde jovem demonstrou interesse pelas artes visuais e pelo desenho, influenciado pelos princípios estéticos japoneses de simplicidade, contemplação e harmonia com a natureza. Aos dezesseis anos, em 1932, imigrou para o Brasil, acompanhando o fluxo migratório de milhares de japoneses que buscavam novas oportunidades na agricultura paulista. Estabeleceu-se inicialmente no interior de São Paulo, onde trabalhou na lavoura e teve contato direto com a paisagem brasileira — experiência que marcaria profundamente sua visão artística, pela relação íntima com o espaço natural e a luz tropical.
Alguns anos depois, Yuji Tamaki mudou-se para a capital paulista. Lá conheceu artistas de origem japonesa que se tornariam seus companheiros de trajetória, como Shigeto Tanaka, Yoshiya Takaoka e Tomoo Handa. O contato com esses nomes despertou nele o desejo de se aprofundar nos estudos artísticos. Movido por esse propósito, viajou ao Rio de Janeiro por volta de 1934, onde ingressou nas aulas de Bruno Lechowski (1887–1941), mestre polonês radicado no Brasil e uma das figuras centrais na formação de uma geração de pintores modernistas.
Durante sua permanência no Rio, Yuji Tamaki participou ativamente do Núcleo Bernardelli — grupo de artistas independentes que defendia a prática livre da arte, o estudo direto da natureza, as sessões de modelo vivo e o afastamento das convenções acadêmicas. No ambiente do Núcleo, conviveu com nomes como José Pancetti, Ado Malagoli, Edson Motta e o próprio Takaoka. Essa convivência foi decisiva para o amadurecimento de sua linguagem: aprendeu com Lechowski o rigor da composição, o equilíbrio entre volume e cor e a importância da estrutura na pintura. Foi também nesse período que se aproximou das ideias do pós-impressionismo e da pesquisa cromática de Cézanne, que permaneceriam como referências constantes em sua carreira.
Carreira e Grupos Artísticos
Em 1935, de volta a São Paulo, Yuji Tamaki tornou-se um dos fundadores do Grupo Seibi, coletivo formado por artistas nipo-brasileiros que desempenhou papel crucial na integração cultural entre o Japão e o Brasil. O grupo buscava difundir a arte moderna entre os imigrantes e promover o intercâmbio de ideias com artistas brasileiros. Tamaki participou de várias exposições organizadas pelo grupo, nas quais apresentou obras que revelavam sua preocupação com a estrutura e a serenidade compositiva.
No mesmo ano, participou do 3º Salão Paulista de Belas Artes, onde obteve reconhecimento por sua maturidade técnica e pela consistência de seu trabalho. Em 1937 e 1938, recebeu prêmios no Salão Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro — um feito significativo, considerando as dificuldades enfrentadas pelos artistas imigrantes em se firmar no meio artístico brasileiro da época.
Em 1948, Yuji Tamaki integrou o Grupo 15, que reunia pintores interessados em explorar as possibilidades da cor e da forma no contexto da arte moderna. A primeira exposição do grupo ocorreu no Instituto de Arquitetos do Brasil (IAB), em São Paulo, em 1949, e foi recebida com atenção pela crítica, que destacou a coerência e o refinamento formal de sua pintura.
Na década de 1950, participou das atividades do Grupo Guanabara, expondo em 1950, 1958 e 1959. Nessa fase, sua paleta tornou-se mais contida, e suas composições passaram a refletir um pensamento mais construtivo. As pinceladas curtas e controladas, as transições sutis entre os tons e a harmonia entre os planos evidenciam uma busca por equilíbrio entre emoção e razão, característica essencial de sua obra.
Durante os anos 1960, Yuji Tamaki obteve novas premiações nos Salões Seibi (1963 e 1964) e participou de várias edições desses eventos, que se tornaram um importante espaço de afirmação para artistas nipo-brasileiros. Em 1966, suas obras foram incluídas na exposição Artistas Nipo-Brasileiros, no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), uma mostra de grande relevância por reconhecer institucionalmente a contribuição japonesa à arte moderna no Brasil.
Nos anos seguintes, realizou exposições individuais na Galeria Cosme Velho, em São Paulo (1969 e 1970), apresentando uma série de paisagens urbanas e composições em que se destacavam a sensibilidade cromática e a precisão construtiva. Em 1977, participou da mostra Grupo Santa Helena: Década 35 a 45, no Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Alvares Penteado (MAB/FAAP), integrando uma geração de artistas que marcou a consolidação da pintura moderna paulista.
Após sua morte, em 1979, o MAC/USP e outras instituições promoveram mostras e estudos dedicados à sua obra. Em 1980, uma retrospectiva realizada na Galeria Place des Arts, no Rio de Janeiro, reafirmou sua importância no panorama da arte moderna brasileira.
Comentário Crítico
A pintura de Yuji Tamaki revela uma síntese rara entre o pensamento construtivo europeu e a sensibilidade estética japonesa. O aprendizado com Bruno Lechowski consolidou sua visão estrutural da pintura, baseada no equilíbrio e na observação disciplinada da natureza. Tamaki absorveu a ideia de que a pintura deve ser construída, e não apenas representada — cada plano, cada cor, cada linha participando de uma ordem geral.
A influência de Paul Cézanne é particularmente visível na maneira como organiza o espaço pictórico. Em obras como Paisagem da Aclimação (c. 1938), a construção se dá por meio de volumes e planos geométricos articulados, em que se percebe tanto a gestualidade controlada quanto a geometrização dos sólidos. Já em Circo (1950), o artista mostra uma abordagem mais lírica, de tonalidades delicadas e ritmos suaves, evocando o sentido meditativo e contemplativo típico da arte oriental.
Yuji Tamaki não buscou o radicalismo das vanguardas abstratas, mantendo-se fiel aos gêneros tradicionais, como paisagens e retratos. Desenvolveu uma pintura essencialmente moderna, sustentada pela tensão entre forma e cor, entre análise e emoção. A cor, em sua obra, tem valor estrutural: são comuns os tons rebaixados, terrosos, que conferem às telas um clima de serenidade e introspecção. A luz não aparece como efeito atmosférico, mas como matéria pictórica que define o volume e a profundidade.
Como professor, Yuji Tamaki foi respeitado por seu rigor e dedicação, transmitindo a seus alunos não apenas técnicas de pintura, mas também uma ética de trabalho baseada na disciplina e na sensibilidade. Sua influência formativa se estendeu a uma geração de artistas nipo-brasileiros que encontraram nele um exemplo de coerência estética e integridade artística.
Legado e Influência
O legado de Yuji Tamaki é inseparável da história da arte nipo-brasileira e da consolidação do modernismo em São Paulo. Sua trajetória ilustra a fusão entre o espírito contemplativo oriental e o racionalismo construtivo ocidental. Ao lado de artistas como Tomoo Handa, Tikashi Fukushima e Manabu Mabe, foi um dos responsáveis por estabelecer um diálogo profundo entre as tradições do Japão e a modernidade artística brasileira.
Yuji Tamaki representou um ponto de equilíbrio entre duas culturas, expressando em sua pintura uma harmonia universal. Sua obra é marcada pela ausência de gestos excessivos, pela economia de meios e pela contenção expressiva, características que refletem tanto o zen-budismo quanto o rigor do modernismo europeu.
Após sua morte, sua produção continuou a ser estudada e reconhecida por críticos e historiadores da arte. Suas obras figuram em coleções particulares e em acervos dedicados à presença japonesa no Brasil, como o Museu Histórico da Imigração Japonesa e o MAC/USP. Exposições retrospectivas e estudos acadêmicos vêm resgatando sua importância, colocando-o entre os protagonistas discretos, porém decisivos, da pintura moderna brasileira.
Críticas
“A obra de Yuji Tamaki reflete uma serenidade estrutural rara. Sua pintura parte de uma observação rigorosa do real, mas transcende a aparência para alcançar uma ordem interior. Em suas paisagens e composições urbanas, percebe-se a busca pela harmonia entre o gesto e a razão, entre o Oriente e o Ocidente. Tamaki foi um mestre da construção silenciosa, um pintor da forma essencial.”
José Roberto Teixeira Leite
LEITE, José Roberto Teixeira. Dicionário Crítico da Pintura no Brasil. Rio de Janeiro: Artnova, 1989.
“Yuji Tamaki pertence à geração de artistas nipo-brasileiros que souberam unir o rigor técnico da tradição japonesa ao experimentalismo da pintura moderna. Sua produção revela uma constante preocupação com a estrutura e a síntese, características que o aproximam de Cézanne, mas também o distinguem por sua leveza e contenção. Sua obra é um exercício de equilíbrio e de silêncio.”
Enciclopédia Itaú Cultural. Verbete: Tamaki. São Paulo: Itaú Cultural, 2023.
“Yuji Tamaki constrói suas paisagens com a mesma disciplina de um calígrafo. Cada pincelada parece buscar a harmonia do conjunto, a respiração do espaço. Não há gestos supérfluos, mas uma meditação constante sobre o visível. Sua arte é discreta, mas de uma intensidade silenciosa que a torna perene.”
Catálogo da Exposição “Artistas Nipo-Brasileiros”, MAC/USP, 1966.