Desenhos inéditos de Aldemir Martins estão em exposição em SP

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Anotações e desenhos inéditos de um dos principais artistas visuais nordestinos estão reunidos na exposição “Anotações Visuais de Aldemir Martins”.Ao longo da vida, Martins (1922-2006) produziu obras de toques rústicos que retratam a natureza, o homem e paisagens típicas do Nordeste 

Sob a curadoria de Jacob Klintowitz, os trabalhos estão dispostos de dois modos: os originais (montados em pranchas e vitrines, com formatos pequenos, desde pedaços de papel de menos de 10 cm a folhas de papel ofício) e as plotagens, em tamanhos que respeitam as proporções originais. 

Espaço Cultural Citi – av. Paulista, 1.111, Bela Vista, centro, São Paulo, SP. Tel.: 0/xx/11/4009-3000. Seg. a sex.: 9h às 19h. Sáb., dom. e feriado: 10h às 17h. Até 19/11. Grátis. Classificação etária: livre. Acesso para deficientes pela al. Santos, 1.146 

Fonte: UOL Entretenimento – Guia cultural de SP

Por que as obras do artista brasileiro Vik Muniz valem tanto?

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O artista plástico brasileiro Vik Muniz conquistou, em menos de 15 anos de carreira, uma posição invejável no cenário artístico internacional. Suas fotografias construídas com arames, linhas, açúcar, chocolate, restos de carnaval, terra e outros materiais insólitos estão hoje nos principais museus do mundo inteiro, como o Metropolitan e o MoMA, ambos em Nova York. Vik também foi o primeiro brasileiro a realizar uma individual no Whitney Museum e, este ano, já expôs em Washington, Atlanta, Nova York e Rio de Janeiro. Hoje, por exemplo, Vik tem obras exibidas na Bienal de Veneza (no pavilhão brasileiro e no Palazzo Fortuny). Ele também tem mostras previstas para Paris (dezembro) e São Paulo (a partir de 28 de junho, no Museu de Arte Moderna).
Todo esse sucesso se deve ao seu grande talento, mas também a uma série de acasos e de estratégias mercadológicas que envolvem artista, galeristas e colecionadores.
Vik Muniz fez a coisa certa desde o início. Mudou-se para Nova York em 1984 e ali mesmo realizou sua primeira mostra individual, na Stux Gallery, em 1989.
Sua primeira série de trabalhos já tinha um forte apelo internacional. “The Best of Life” era uma série de reproduções de fotos históricas publicadas na revista “Life”, como o beijo na praça Times Square, uma platéia durante uma projeção de cinema em 3-D, o primeiro homem na Lua. Vik surgiu assim já deslocado de qualquer contexto regional de produção artística.
O banqueiro de investimentos José Olympio Pereira, colecionador de Vik, conta que o fato do artista morar em NY influenciou sua decisão de investir no artista. “Vik não foi amor à primeira vista. Eu tinha dificuldades com a figuração. Aproximei-me dele porque gosto do uso que ele faz de materiais inusitados e efêmeros, que é algo inédito, criativo e inovador. O fato de ele morar em NY e estar inserido em um circuito internacional era um bom indício de potencial de valorização”, diz José Olympio, que possui três obras do artista.
Em 1994, com cinco anos de carreira, Vik já havia realizado oito exposições individuais: em Nova York (quatro), São Francisco, Santa Mônica, Paris e São Paulo. Também havia sido incluído em mais de 30 mostras coletivas internacionais.
Os preços das obras vêm acompanhando as atividades do artista e também não param. As suas “fotografias de arame”, por exemplo, foram apresentadas em São Paulo em 1995 e custavam US$ 1,5 mil. Hoje custam US$ 6 mil, o que representa uma valorização de 300% em seis anos.
A galerista Márcia Fortes (da Galeria Fortes Vilaça, que o representa) justifica a valorização. “Vik já produziu oito séries de trabalho depois dos arames. Eles já são raridades. Já existe uma competição internacional por eles”, diz.
A sua galeria em São Paulo possui fotografias em terra ou arame (US$ 6 mil cada) e fotografias com restos de carnaval ou chocolate (US$ 12 mil cada). As fotografias com pó (apresentadas no Whitney Museum) valem US$ 15 mil. As fotografias com açúcar (exibidas na Bienal de São Paulo em 1998) estão esgotadas. Segundo Márcia Fortes, esse controle dos preços das obras de Vik Muniz é feito em parceria com a galeria de Nova York (Brent Sikema).
No ano passado, por exemplo, as pinturas de chocolate custavam US$ 10 mil, mas uma delas (“Action Photo 1”) foi colocada em leilão na Sotheby’s de Nova York e foi vendida por US$ 38 mil.
O sucesso da obra “Action Photo 1” é explicável e vai além de suas qualidades formais. A foto pertence à série “chocolate”, uma das mais conhecidas do artista; o leilão aconteceu em Nova York; e os americanos são loucos por Jackson Pollock, artista que é representado na obra. “É a imagem mais famosa de Pollock e ele é um dos ícones máximos da pintura norte-americana. A foto tornou-se um clássico, pois revisa um momento fundamental da arte norte-americana”, explica Márcia Fortes.
Segundo a galerista, essa venda provocou uma forte especulação em cima da obra do artista. “Nem o artista nem sua galeria acham que o preço recorde no leilão foi um bom negócio, pois isso pode inflacionar o mercado em cima de um lance especulativo. Nós e a galeria de Nova York decidimos segurar o preço da série em chocolate em US$ 12 mil. Um bom preço em um leilão pode valorizar a obra do artista ou provocar uma chuva de obras no mercado e acaba jogando o preço do artista para baixo”, diz Márcia Fortes.
Segundo ela, seu papel como galerista é resolver uma difícil equação entre alta demanda, pouca oferta, especulação em leilões e comercialização secundária por outros marchands. “Trata-se de um malabarismo conter os preços e, ao mesmo tempo, não defasá-los. A galeria tem que proteger a obra do artista e a suavidade do desenvolvimento de sua carreira ao longo dos anos e não agir com as obras como se fossem lances em uma bolsa de valores”, complementa Márcia Fortes.
Também é papel do galerista selecionar o destino das obras do artista, evitando, por exemplo, que se concentre nas mãos de marchands ou de poucos colecionadores. No Brasil, Vik está no acervo de importantes colecionadores brasileiros, como Frances Marinho, Isabella Prata, Gilberto Chateaubriand e Bernardo Paz.
Um número exagerado de obras nas mãos de poucos colecionadores pode não ser um bom negócio, pois dá a eles um grande poder de especulação. Um grande colecionador pode, por exemplo, pode forçar um lance recorde em um leilão apenas para que as obras em seu poder valorizem.
“O fato de ter um bom marchand, que tem controle sobre a produção e orienta o artista, é uma segurança para o colecionador. Existe sempre um risco em relação ao artista contemporâneo, mas sendo um bom artista e tendo um bom marchand, o sucesso é quase garantido”, diz o colecionador e investidor José Olympio.

Fonte: Mapa das Artes – Notícias

A soma dos dias: Carlito Carvalhosa
de 31.jul a 07.nov 2010

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Tente Novamente

terceira exposição do Projeto Octógono em 2010, com curadoria de Ivo Mesquita, curador chefe da Pinacoteca do Estado.

Esta instalação foi desenvolvida especialmente para o Projeto Octógono Arte Contemporânea. O título da obra, A soma dos dias, faz referência aos sons que serão captados e reproduzidos diariamente por alto falantes instalados no espaço. Segundo Ivo Mesquita, “O projeto de Carvalhosa cria um labirinto branco e perturbador, que oferece uma experiência de opacidade e quase cegueira, ao mesmo tempo em que envolve o expectador pelo som, que discretamente reverbera pelas paredes no interior do museu. Visão e audição são os sentidos postos em questão ou ativados pelo trabalho”. Esta exposição tem o patrocinio do banco Santander. Confira aqui

Fonte: Pinacoteca de São Paulo – Exposições

Instituto Inhotim (MG) ganha novos pavilhões e obras

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Instalação da francesa Dominique Gonzalez-Foerster no Instituto Inhotim (MG)

A partir desta quinta-feira (23) o Instituto Inhotim, complexo museológico situado em Brumadinho (MG), ganha novos pavilhões e trabalhos criados especialmente para o local. A obra do fotógrafo Miguel Rio Branco, assim como cinco Cosmococas — série de Hélio Oiticica (1937 – 1980) e Neville D´Almeida — são novidades, ao lado de uma instalação da francesa Dominique Gonzalez-Foerster e do “Palm Pavillion” de Rirkrit Tiravanija, artista argentina residente em Nova York.

O pavilhão dedicado à obra de Miguel Rio Branco se destaca entre as novidades. O projeto do escritório mineiro Arquitetos Associados tira partido do terreno íngreme e cria bela estrutura feita em aço corten, o mesmo usado por Amilcar de Castro em suas esculturas, e tem uma estrutura labiríntica em seu interior. “Ele meio se esconde, meio que força sua visibilidade”, resume o alemão Jochen Volz, um dos curadores de Inhotim e cocurador da mais recente edição da Bienal de Veneza, transcorrida no ano passado 

Para Volz, o centro mineiro tem como objetivo criar projetos específicos para o diálogo entre o grande jardim botânico presente e a escala generosa de obras de arte contemporânea do acervo local. “Sempre pensamos: o que os outros não podem fazer?”, afirma ele. “Temos de refletir bem sobre o contexto de arte e natureza tão próprio daqui, além de dar visibilidade e recortes a obras representativas dentro do nosso acervo, caso bem claro de Rio Branco.”

O pavilhão dedicado ao artista nascido em Las Palmas e radicado no Rio coroa bom momento de sua trajetória. Ele tem exposição em cartaz atualmente no MIS (Museu da Imagem e do Som de São Paulo) e é um dos participantes da 29ª Bienal de São Paulo, com o filme “Nada Levarei Qundo Morrer Aqueles que Mim Deve Cobrarei no Inferno”, realizado nos anos 70 no Pelourinho, Salvador, antes da reforma. O pavilhão privilegia filme e videoinstalações, como “Diálogos com Amaú”, de 1983, e “Entre os Olhos”, algumas delas menos conhecidas na carreira do artista.

Outro projeto dos Arquitetos Associados é o pavilhão dedicado às cinco Cosmococas, de Hélio Oiticica e Neville D´Almeida. Também labiríntica em seu interior, está planejada para ser um espaço tal qual os artistas imaginaram, onde o público pode entrar numa piscina e “participar” da obra de arte, descansar em redes e fazer outras atividades propostas pelos trabalhos ambientais.

Visitantes observam fotografias de Miguel Rio Branco no Instituto Inhotim (MG)

A francesa Dominique Gonzalez-Foerster concebeu uma obra, “Desert Park”, especificamente para Inhotim, onde fica localizada atrás do pavilhão de Adriana Varejão. Decorrência de experiências anteriores da artista na Documenta e em Münster, compila variados tipos de ponto de ônibus em uma grande área de areia branca. O ambiente quase lunar ajuda a compor uma paisagem de um certo modernismo, presente na arquitetura dos pontos, típico das áreas urbanas brasileiras. “Promenade”, obra presente anteriormente em Inhotim, continua a ser exibido na galeria Mata, no centro do complexo. Rirkrit Tiravanija remonta próximo à “Beam Drop”, obra de Chris Burden, seu “Palm Pavillion”, peça que foi exibida na 27ª Bienal de São Paulo, em 2006.

Nas galerias, com exceção do cubano Diango Hernández, artistas brasileiros são os contemplados com obras novas em exibição. Alexandre da Cunha, Laura Vinci, Marcius Galan e Marcellvs L têm trabalhos expostos. O carioca Ernesto Neto também ganha espaço com um remontagem histórica de “Copulônia”, de 1989, primeira peça na qual lida com materiais têxteis junto de outros mais rígidos, expandindo o conceito de escultura e criando uma tensão entre as diferenças do que foi construído. “Inhotim também tem a preocupação de exibir obras que foram pouco vistas ou montadas e que são importantes no desenvolvimento da arte contemporânea do país”, diz Rodrigo Moura, um dos curadores do centro. “Copulônia” somente foi exposta no Espaço Macunaíma, no Rio, no ano de sua criação.

Acervo de ponta
A abertura das novas obras consolida Inhotim como um dos centros de arte contemporânea mais importantes do Brasil, ratificando o bom momento da arte brasileira em âmbito externo. Nomes prestigiados do circuito estiveram recentemente ou irão especialmente para o centro, como as curadoras das próximas edições da mostra alemã Documenta, Carolyn Christov-Bakargiev, e da Bienal de Veneza, Bice Curiger, entre outros.

Inaugurado em 2004, Inhotim é referência em arte contemporânea no Brasil por dar a chance de o público ver obras de nomes centrais na cena atual, como Steve McQueen, Matthew Barney, Doug Aitken, Janet Cardiff, Doris Salcedo e Olafur Eliasson, entre vários outros, lado a lado de artistas brasileiros de trajetória estabelecida, como Cildo Meireles, Tunga, Varejão e Valeska Soares.

O centro planeja novas expansões, como pavilhões e obras específicas de Pipilotti Rist, Cristina Iglesias e Eliasson, além de um grande edifício destinado a expor obras do acervo. “Vai ser quase como um museu. Precisamos de um espaço maior para exibir o que adquirimos, as galerias que temos já não dão conta disso”, conta Volz.

Fonte: UOL Entretenimento – Últimas notícias

“Não me interesso muito pelo teatro em torno das ideias”, diz Cildo Meireles

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Cildo Meireles

Dirigido por Gustavo Rosa de Moura, “Cildo”, documentário sobre o artista e sua arte, que estreia nesta sexta-feira em São Paulo, desmistifica com eficiência o clichê de que arte conceitual é inacessível – ou seja, segue a mesma proposta do retratado. “Não há entrevistas com críticos, acadêmicos, pesquisadores. No filme, quisemos deixar que as pessoas pensassem sozinhas. Damos os elementos, mas cada um pode refletir por si próprio. Não há obrigação de acompanhar um raciocínio”, explica o diretor. 

Moura sabe que filmar uma instalação de Cildo não substitui a visita física à obra mas, com sua câmera, tentou buscar o máximo que cada peça poderia render no cinema. “Cada obra precisou de uma solução diferente. ‘Babel’, por exemplo, é uma instalação com diversos rádios. Buscamos algo meio onírico”, conta o cineasta, que trabalhou com Alberto Bellezia assinando a fotografia.

O próprio Cildo destaca o trabalho de Bellezia no registro de suas obras com a câmera, alegando que essa integração entre a imagem e a peça física mostra como é o contato entre uma pessoa e as artes plásticas. “Muitos dos meus trabalhos só existem no momento em que você interage com eles. A arte plástica pressupõe um contato físico. O Gustavo e o Alberto mostram no filme como isso pode se dar”.

O diretor não conhecia o artista plástico pessoalmente quando foi convidado a dirigir o filme. A apresentação aconteceu por intermédio de um amigo em comum. Ao longo dos anos, desde 2005, Moura acompanhou Cildo e seu trabalho, captando imagens sobre a montagem de peças, exposições – especialmente uma retrospectiva na galeria Tate Modern, em Londres, que ocorreu entre outubro de 2008 e janeiro de 2009.

Para Cildo, a relação de quatro anos com Moura resume-se numa palavra: camaradagem. “O filme me acompanha a diferentes lugares e contextos e é capaz de passar a minha velocidade, o jeito que eu lido com a criação, com as obras. Não me senti traído – pelo contrário”, afirma o artista.

Ao longo de sua pesquisa para “Cildo”, o documentarista encontrou um curta de 1979 sobre o artista plástico dirigido por Wilson Coutinho, crítico de arte do jornal “O Globo”, morto em 2003. “O filme ia bem ao encontro da minha arte. É um curta com inserções ideológicas”, diz o artista. Numa das cenas, que é exibida no longa, John Wayne, numa cena de western, é dublado em português, falando sobre a arte de Cildo. Moura adianta que o curta sairá como extra do DVD.

Os mais de trinta anos que separam os dois filmes sobre Cildo poderiam levá-lo a pensar sobre sua trajetória, mas ele prefere trabalhar a reexaminar o passado. “É sempre estranho rever a si mesmo. São tempos diferentes, a gente sempre muda. Nesses anos aconteceram muitas obras e exposições. O documentário me deu uma oportunidade rara de revisitar os meus trabalhos. Rever a si mesmo dando alguns passos não é estranho. Mas rever sua carreira toda é outra coisa.”

Fonte: UOL Cinema – Últimas notícias